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Qu’est-ce que l’art ?

L’art existe depuis que l’Homme existe. De l’ère préhistorique à nos jours, il a énormément évolué grâce à la diversification des supports et des techniques mais aussi grâce à la volonté des philosophes et des artistes d’expliquer l’art et de lui donner un sens. Petit tour d’horizon de la notion d’art à travers les âges.

I – Définition de l’art

1. Définition étymologique

Etymologiquement, le mot « art » vient du latin « ars, artis » qui signifie « savoir-faire », « métier », « adresse » ou « talent ». Au départ, ce terme renvoyait donc à la manière de faire et à l’activité en tant que telle, plutôt qu’à l’ouvrage final. Mais au cours de l’histoire, la définition de ce mot a largement évolué, prenant différents sens en fonction du contexte.

2. « Art », un terme polysémique

Le mot « art » est un terme très ancien qui aujourd’hui possède une incroyable polysémie. D’après le dictionnaire Larousse, l’art aurait au moins six définitions différentes.

  • Premièrement, l’art est l’« ensemble des procédés, des connaissances et des règles intéressant l’exercice d’une activité ou d’une action quelconque ». C’est ce sens que l’on utilise lorsqu’on parle d’« art culinaire » par exemple.
  • L’art peut également se référer à « toute activité, toute conduite considérée comme un ensemble de règles, de méthodes à observer ». Ainsi, on dit que la politesse est un art.
  • Le Larousse admet encore un autre sens selon lequel l’art serait l’« habileté, talent, don pour faire quelque chose ». Ce sens découle directement de l’étymologie du mot : on l’utilise pour souligner que quelqu’un « a l’art de », par exemple, l’art se faire aimer des autres, l’art de mentir, etc. Contrairement au mot « technique » dont le sens est assez proche, l’« art » pris dans cette définition implique un résultat de bonne qualité.
  • Le dictionnaire Larousse évoque également trois autres définitions qui sont plutôt liées au domaine de l’esthétique. La première décrit l’art comme la « manière de faire qui manifeste du goût, un sens esthétique poussé » : ce sens est utilisé dans des expressions comme « dresser une table avec art ».
  • La seconde est certainement celle que nous utilisons le plus au quotidien. Dans ce sens, l’art est la « création d’objets ou de mises en scène spécifiques destinées à produire chez l’homme un état particulier de sensibilité, plus ou moins lié au plaisir esthétique » : on parle d’art contemporain, d’œuvre d’art ou de beaux-arts par exemple.
  • Enfin, l’art peut désigner un « ensemble d’œuvres artistiques » : par exemple, l’art de Titien, l’art gothique,etc.

De même, il existe un autre sens au mot « art », qui est très ancien et que l’on n’utilise plus aujourd’hui. Ce sens définit l’art par opposition à la nature. Ainsi, il y aurait d’un côté, ce qui a été fabriqué par la nature (les rivières, les arbres, les animaux…) et ce qui a été fabriqué par l’Homme (les habitations, les ponts, les vêtements etc.). Dans ce sens vieilli, l’art englobe tout ce qui est fait par la main de l’Homme, qu’il y ait ou non un but esthétique.

3. Une définition générale de l’art

En raison de sa polysémie mais aussi de son évolution à travers les époques, le mot « art » est très difficile à définir aujourd’hui. La question « Qu’est-ce que l’art ? » possède autant de réponses qu’il y a d’artistes. Par exemple, à l’époque de la Renaissance, un artiste aurait insisté sur l’importance de la technique dans l’art : sans savoir-faire, il n’y a pas d’art. Tandis qu’aujourd’hui, l’art n’est plus aussi étroitement lié à la technique : une simple idée, un concept original peut être considéré comme de l’art.

L’écrivain André Malraux disait que « L’œuvre d’art répond à cette définition aussi facile à énoncer que difficile à comprendre : avoir survécu ». Si l’on considère sa définition, l’art est indissociable du parcours de vie de l’artiste, des épreuves qu’il a traversées, de sa philosophie et de ses émotions. Or, chaque artiste est différent. L’art sera donc différent pour chaque artiste.

Si l’on ne doit toutefois retenir qu’une définition courte et générale de l’art, on pourrait dire que l’art est une activité humaine ou son résultat, qui provoque une sensation, une émotion ou une réflexion chez autrui. Pour que l’art puisse exister, il faut donc un artiste et au moins un spectateur.

4. Quelques notions à connaître

L’art est un domaine tellement vaste qu’il a dû être découpé en différents sous-domaines. Chacun de ces sous-domaines regroupe différentes formes d’art avec des buts différents. Lorsqu’on ne connaît pas bien ces différentes notions, il peut être compliqué de ne pas confondre les Beaux-arts avec les arts plastiques, les arts plastiques avec les arts appliqués, les arts appliqués avec les arts décoratifs ou encore l’art abstrait avec l’art figuratif. Les quelques définitions qui vont suivre devraient effacer toute confusion que vous pouvez avoir.

A) BEAUX-ARTS

Le terme « Beaux-arts » désigne l’ensemble des disciplines artistiques qui ont pour but l’expression et la représentation du beau : on considère donc comme beaux-arts l’architecture, l’ensemble des arts plastiques, tous les arts graphiques mais aussi la musique, le théâtre, la danse et la poésie.

B) ARTS PLASTIQUES

Les arts plastiques regroupent toutes les disciplines artistiques dans lesquelles l’artiste effectue un travail sur les matières et sur les formes. Ainsi, la sculpture, la gravure, le dessin, la peinture, la céramique ou encore l’architecture font partie des arts plastiques. Plus récemment, la photographie, la vidéo ainsi que toutes les formes de production artistique par ordinateur ont également été reconnues comme arts plastiques.

C) ARTS APPLIQUÉS

Contrairement aux arts plastiques qui désignent la production d’œuvres esthétiques et souvent uniques, les arts appliqués font référence à la production d’œuvres dans un but commercial, industriel ou publicitaire. Ces œuvres peuvent être produites en série. Dans le domaine des arts appliqués, ceux qui créent les œuvres ne sont pas des artistes, mais des designers. Les arts appliqués regroupent : le design d’espace (architecture…), le design de produit (création d’objets et de mobilier), le design textile (création de vêtements et accessoires) ; le design de communication (publicité…) mais aussi toutes les disciplines que l’on appelle métiers d’art (bijouterie, horlogerie, restauration du patrimoine…).

D) ARTS DÉCORATIFS

Contrairement aux Beaux-arts qui ont une visée purement esthétique, les arts décoratifs font référence aux disciplines artisanales qui ont un but fonctionnel, comme la décoration d’intérieur et l’architecture d’intérieur. Ainsi, la production d’œuvres ornementales, de mobilier ou d’objets fonctionnels en utilisant, par exemple, la sculpture, le travail du verre ou le travail de la céramique est de l’art décoratif.

E) ART ABSTRAIT VS ART FIGURATIF

La différence entre l’art abstrait et l’art figuratif est toute simple. Tandis que l’art figuratif cherche à représenter ce qui existe réellement (un paysage, un portrait, une nature morte…), l’art abstrait dépeint des formes et des couleurs qui existent non pas dans le réel, mais dans l’esprit de l’artiste.

II – Les principales formes d’art existantes

Selon la classification des arts communément admise depuis le XXème siècle, il existe dix formes principales d’art :

  1. L’architecture ;
  2. La sculpture, qui comprend également la sculpture du papier (« origami ») ;
  3. Les arts visuels, à savoir la peinture, le dessin, la gravure et la calligraphie. Plus récemment, on y compte également l’art du tatouage ;
  4. La musique ;
  5. La littérature, qui comprend tous les genres littéraires, y compris la poésie et la dramaturgie ;
  6. Les arts de la scène, à savoir la danse, le théâtre, le cirque, l’art du mime, l’humour et l’art de la prestidigitation ;
  7. Le cinéma au sens large du terme, qui englobe également les séries et films diffusés à la télévision ;
  8. Les arts médiatiques, à savoir la photographie, la radio et la télévision ;
  9. La bande dessinée ;
  10. Les arts du multimédia, qui comptent les jeux vidéo.

Bien que la classification des arts officielle s’arrête ici, il existe encore bien d’autres disciplines artistiques comme l’art culinaire, l’art floral, la parfumerie, la mode

III – Une brève histoire de l’art

1. Les arts de la Préhistoire

Les premières manifestations d’art connues remontent à la Préhistoire, plus précisément durant le Paléolithique moyen. Vers 30 000 ans avant notre ère, les Hommes de Néandertal réalisaient les premières gravures pariétales au sein de la Grotte de Gorham à Gibraltar. Mais ce n’est qu’avec l’arrivée des Homo Sapiens, au Paléolithique Supérieur, que l’art préhistorique s’est réellement développé. Aux alentours de 45 000 ans avant notre ère, les Homo Sapiens inventèrent l’art figuratif puis, plus tard, la peinture et la gravure sur galets et l’art mobilier.

On distingue trois courants artistiques majeurs durant la Préhistoire : l’art rupestre, l’art pariétal et l’art mobilier. L’art rupestre consistait à réaliser des peintures ou des gravures à même le sol, sur des surfaces rocheuses. La plupart du temps, ces « œuvres » étaient faites en plein air. Quant à l’art pariétal, il était comme son nom l’indique représenté sur les parois intérieures des grottes. Enfin, l’art mobilier consistait à fabriquer des outils et objets de la vie quotidienne, comme des statuettes en argile ou en pierre, des armes, des ustensiles ou des bijoux. Pour fabriquer de l’art mobilier, nos ancêtres utilisaient différentes techniques comme la sculpture, la taille ou la poterie.

L’art préhistorique rupestre et pariétal représentait souvent des animaux, comme les mammouths, les bisons ou les chevaux, mais aussi des hommes préhistoriques, des mains humaines et des signes divers, comme les flèches.

Selon les historiens, l’art durant la Préhistoire pouvait avoir un but esthétique ou bien un but sacré. Par exemple, certains experts estiment que par le biais des peintures, les hommes préhistoriques pouvaient communiquer avec les esprits de leurs ancêtres, ou leur rendre hommage.

2. Les Arts premiers

Née dans les années 1970, l’expression « Arts premiers » regroupe toutes les formes d’art traditionnel réalisé par les peuples dits « sans écriture ». Les arts premiers ont existé sur tous les continents du monde. On estime que dans la plupart des civilisations traditionnelles, l’art avait généralement un but religieux ou politique. Bien qu’ils soient appelés « arts premiers », ces formes d’arts sont encore réalisées de nos jours.

On distingue plusieurs arts premiers, dont les plus réputés aujourd’hui sont l’art africain, l’art océanien, les arts premiers asiatiques, l’art précolombien et l’art indien ancien.

L’art premier africain prend une multiplicité de formes. On trouve ainsi des peintures rupestres, des masques (qui souvent étaient créés pour des cérémonies religieuses), des statuettes en bois ou en argile, des bijoux mais aussi des sculptures et des objets de la vie quotidienne.

L’art océanien est divisé en différents groupes : l’art aborigène d’Australie (des peintures pariétales, des poteaux funéraires sculptés ou, plus récemment, les peintures aborigènes sur toile) ; l’art maori de Nouvelle-Zélande (des armes et statuettes, souvent sculptées dans le bois ou la néphrite verte) ; l’art kanak de Nouvelle-Calédonie (des masques, des armes ou encore des chambranles sculptés dans le bois) ; l’art Polynésien (des pétroglyphes, statuettes, bijoux, objets de la vie quotidienne, vêtements ou encore les tatouages des Samoa) ; l’art Papou de Nouvelle-Guinée (des masques, boucliers et statues) ou encore l’art du Vanuatu et des îles Salomon.

L’art premier asiatique comprend notamment l’art chinois, un art très élaboré qui se traduit à travers le travail de la céramique, la calligraphie, les estampes à l’encre de Chine ou encore la gravure sur bois, mais aussi l’art premier japonais, duquel on apprécie particulièrement les céramiques, les dessins à l’encre, les arts métallurgiques et la calligraphie.

L’art précolombien se réfère aux manifestations artistiques de toutes les civilisations qui existaient avant l’arrivée des colons en Amérique du Nord et Amérique Centrale : l’art inuit, l’art navajo, l’art maya, l’art olmèque, l’art aztèque, l’art inca

L’art Indien ancien se manifestait principalement à travers des objets religieux : masques en bois peint, peintures tribales, vêtements, bijoux etc.

3. Les Arts de l’Antiquité

Lorsqu’on parle d’arts antiques, on pense avant tout à l’art grec et à l’art romain. Or, les arts de l’Antiquité sont beaucoup plus riches qu’on ne le croit.

En Egypte, l’art tenait une place très importante et elle était étroitement liée à la religion. Des tombeaux peints et sculptés aux amulettes et bijoux funéraires, en passant par les bas-reliefs richement décorés et les célèbres pyramides d’Egypte, chaque œuvre d’art était destinée à honorer ou rendre hommage à un dieu ou un pharaon.

En Mésopotamie, l’art et l’architecture étaient prétextes à représenter l’esprit de conquête des peuples, notamment le peuple Assyrien. On sculptait des bas-reliefs représentant des hommes à l’allure athlétique en pleine conquête ou bien durant la chasse, aux côtés de divers animaux.

De l’art Antique grec, l’histoire a surtout retenu les sculptures et statues représentant des hommes, des femmes et des dieux grecs. Souvent, ces statues étaient sculptées pour rendre hommage aux dieux, aux gladiateurs ou aux empereurs. Elles étaient réalisées dans le bois, la pierre, la terre cuite, le marbre ou encore dans l’or, l’ivoire, l’argent et le bronze. La sculpture grecque est née aux alentours du VIIIème siècle avant notre ère, inspirée par l’art oriental. Elle connut son apogée entre le Vème et le VIIème siècle, grâce au développement des techniques artistiques mais aussi des connaissances en matière d’anatomie.

L’Antiquité grecque a également laissé de beaux exemples d’architecture, notamment des temples, des arènes et des amphithéâtres. On peut également retenir les mosaïques, les vases peints, la musique et enfin le théâtre grec, qui aura fortement influencé le théâtre classique, moderne et contemporain.

Dans l’Antiquité romaine, l’architecture était l’une disciplines majeures en art. Influencés par les Étrusques mais aussi par les Grecs, les Romains utilisaient des éléments nouveaux dans leurs ouvrages architecturaux : par exemple, ils multipliaient les voûtes arrondies, que l’on retrouve dans les arcades et dans les coupoles. Les Romains construisaient également des aqueducs, des thermes, des amphithéâtres et des arcs de triomphe qui ont influencé toute l’évolution de l’architecture jusqu’à nos jours.

Outre l’architecture, l’Antiquité romaine a laissé de beaux exemples de mosaïques, de peintures et de sculptures, ainsi que de nombreux écrits (poèmes, pièces de théâtre).

4. Les Arts du Moyen-Âge

En ce qui concerne l’art, le Moyen-Âge fut une période extrêmement prolifique, traversée par de très nombreux courants artistiques. Historiquement, cette époque s’étend entre la fin de l’Antiquité et le début de la Renaissance : elle couvre donc plus d’un millénaire !

Au Moyen-Âge, la motivation principale de l’artiste était d’ordre religieux. On distingue aujourd’hui plusieurs formes d’art médiéval, dont l’art celtique, l’art paléochrétien, l’art roman, l’art gothique, l’art byzantin, l’art islamiste et l’art gothique. Ce sont les courants artistiques les plus connus, mais il en existe d’autres qui sont mineurs, comme par exemple l’art des croisades.

Ainsi, la religion chrétienne, fortement présente en Europe au Moyen-Âge, s’exprimait à travers l’art. C’est de la religion que dérivait l’art byzantin, doublement influencé par l’art romain et l’art oriental. L’art byzantin s’est développé à partir de la Chute de l’Empire romain, autour de 476. On estime que son déclin correspond à celui de Constantinople, autour de 1453. Ce courant artistique est aujourd’hui surtout connu pour ses icônes, des peintures réalisées sur des panneaux en bois qui représentent des personnages bibliques comme la Vierge Marie ou le Christ, mais aussi pour ses fresques et mosaïques impressionnantes que l’on peut observer dans les églises de Constantinople. L’art byzantin s’exprime également à travers l’architecture, dont l’un des exemples les plus frappants aujourd’hui est l’église Sainte-Sophie d’Istanbul.

Entre le Xème et le XIIème siècle, un autre courant artistique d’importance s’est développé en Europe : l’art roman. Il représentait les scènes et personnages de l’ancien et du nouveau Testament, mais aussi des créatures surnaturelles comme le dragon ou la licorne. L’art roman s’exprimait à travers la sculpture, la peinture, la tapisserie mais aussi l’architecture. D’ailleurs, les plus beaux exemples d’art roman étaient des églises, des cathédrales, des abbayes et des monastères. Les enluminures, dessinées par les moines copistes qui retranscrivaient à la main des manuscrits datant de l’Antiquité, sont elles aussi considérées comme des œuvres d’art à part entière.

A partir du XIIème siècle, l’art roman a laissé place à l’art gothique. De nombreux édifices religieux furent construits dans le style gothique : ils se distinguent par des espaces plus vastes, des fenêtres plus larges mais aussi la présence de vitraux. L’intérieur est également plus richement décoré, avec des retables finement sculptés, des panneaux en bois peints et de très nombreuses représentations de la Vierge et du Christ.

Au Moyen-Âge, l’apparition de matériaux inédits et de techniques artistiques nouvelles a permis à l’art de beaucoup évoluer. On peut citer notamment l’utilisation de l’émail en orfèvrerie, le développement de l’art de la tapisserie (dont l’exemple le plus célèbre est l’immense « Dame à la Licorne » qui compte six tentures) et l’apparition du vitrail.

5. La Renaissance

Au XIVème siècle, un nouveau courant de pensée naît en Italie : l’humanisme. Tourné vers des valeurs comme l’éducation, la liberté de pensée ou la tolérance, ce mouvement provoque une véritable révolution dans toute l’Europe en influençant aussi bien l’art que la philosophie et la science. Ainsi, l’art, qui était exclusivement tourné vers la religion au Moyen-Âge, change de direction pour s’intéresser aux valeurs humanistes et réintégrer les fondations de l’art antique (d’où le terme « Renaissance »). L’art de la Renaissance prend naissance à Florence, qui reste le principal foyer artistique en Europe jusqu’au milieu du XIVème siècle. A partir de 1450 environ, Rome devient un nouveau foyer artistique et le restera jusqu’à la fin de la Renaissance, autour de 1520.

Durant la Renaissance, l’art a connu un développement sans précédent. Grâce aux avancées de la science, de nombreuses techniques furent inventées et existent encore aujourd’hui, comme la peinture à l’huile, la toile comme support, l’imprimerie, la xylographie ou les estampes. C’est aussi à cette époque que les artistes ont commencé à se lancer dans des projets monumentaux, comme le plafond et la fresque de la chapelle Sixtine (Michel-Ange) ou le dôme de la Basilique Saint-Pierre (Bramante). On observe aussi l’apparition de techniques de peintures qui ont révolutionné l’art, comme le Sfumato, le clair-obscur, la perspective ou encore le raccourci : autant de procédés qui visaient à rendre les œuvres d’art plus réalistes.

A l’époque de la Renaissance, l’Eglise n’était plus le seul commanditaire des projets artistiques : les marchands, les familles nobles et certains seigneurs florentins comme la famille Médicis commandaient et achetaient eux aussi de l’art. C’est donc à cette époque que l’art a commencé à revêtir une dimension purement esthétique ou commerciale, par opposition à l’art religieux.

6. L’Art Baroque et l’Art Classique

Né au XVIIème siècle, l’art Baroque représente une véritable rupture avec l’art de la Renaissance. Il se caractérise en effet par un refus d’obéir à des règles. Ainsi, il ne présente ni harmonie ni équilibre et il s’éloigne totalement du réalisme que prônaient les artistes de la Renaissance. L’art baroque se distingue notamment par son abondance de détails.

Il s’agit, encore une fois, d’un art tourné vers la religion. Le mouvement baroque est apparu à Rome avec la décoration de la Basilique Saint-Pierre par Lorenzo Bernini, puis il s’est rapidement répandu en Europe et notamment en Espagne, pays très catholique. L’art baroque s’exprimait dans la peinture, dans la sculpture, dans l’architecture et dans la littérature. Parmi les principaux noms de l’art baroque, on peut citer Pierre Paul Rubens, Le Caravage, Diego Velasquez, Rembrandt ou encore José de Ribera.

En France, l’art baroque trouva sa riposte dans le classicisme, un courant artistique diamétralement opposé au baroque puisqu’il célèbre l’art antique et recherche l’esthétique, l’ordre, l’harmonie, l’équilibre et la symétrie. Ce courant artistique était avant tout français : né en France, il s’est très peu étendu en Europe. L’art classique touchait toutes les sphères artistiques : l’architecture (dont le Louvre et le Château de Versailles en sont les exemples les plus connus) mais aussi la peinture (Raphaël, Nicolas Poussin…), la sculpture, les arts décoratifs, la musique (Mozart, Bach, Beethoven…), la danse, le théâtre (Molière, Corneille, Racine…), la littérature et la poésie.

7. L’Art moderne

Apparu autour de 1850 avec les peintres impressionnistes, l’art moderne se veut en rupture totale avec les règles et canons de l’art classique, surtout en ce qui concerne l’art figuratif. En France, les artistes peintres qui se réclamaient de l’art moderne refusaient de se plier aux règles établies par l’Académie des Beaux-Arts et ils refusaient également d’être exposés au sein du Salon de peinture et de sculpture de l’Académie des Beaux-Arts. A cette époque, une multitude de courants artistiques sont nés avec une volonté commune, celle de se détacher au plus du réalisme prôné par l’art classique.

Cette époque fut marquée par de nombreux changements, aussi bien au niveau social que technique, industriel et artistique. Elle correspond à la fin de la Révolution industrielle en Europe : les paysages étaient transformés et cela influençait forcément les artistes. Aussi, c’est à cette époque que les écrivains et les artistes commencèrent à écrire sur l’art, initiant ce que l’on appelle aujourd’hui la critique d’art. Baudelaire ou encore Zola apportaient leur soutien aux artistes modernes à travers leurs écrits. Enfin, la sphère artistique fut bouleversée par l’apparition d’un tout nouveau support artistique, la photographie, qui influença également le travail de nombreux artistes modernes.

Plusieurs courants artistiques ont marqué l’art moderne, à commencer par l’impressionnisme. Surtout célèbre pour ses peintures dans lesquelles des coups de pinceau visibles accentuaient le mouvement et la lumière (Claude Monet, Camille Pissarro, Edgard Degas, Edouard Manet…), ce courant a pourtant touché toutes les disciplines artistiques, dont la sculpture, le cinéma et la photographie.

Le mouvement fauviste illustre bien la volonté des artistes modernes de créer des toiles basées sur l’émotion plutôt que sur l’esthétique et le réalisme. Caractérisé en peinture par ses aplats de couleurs vives, le fauvisme n’a existé que durant une courte période mais il a laissé des œuvres aujourd’hui mondialement connues, comme celles d’Henri Matisse.

Quant au cubisme, mouvement influencé par Paul Cézanne et initié par Pablo Picasso, il est aujourd’hui l’un des courants de référence lorsqu’on parle d’art moderne en peinture, mais il s’est exprimé également dans les domaines de la sculpture, la littérature et l’architecture.

L’expressionnisme est apparu au début du XXème siècle en Allemagne et en Europe du Nord. Surtout connu pour ses peintures, ce courant artistique avait pour motivation l’expression de la subjectivité et des émotions de l’artiste, souvent à travers la déformation des formes réelles. Le tableau expressionniste le plus marquant est « Le Cri » d’Edvard Munch.

En littérature et en art, le mouvement Dada se basait sur les idées du socialisme et de l’anarchisme : cet art radical prônait la liberté d’expression et rejetait les règles établies par la société. Parmi les artistes Dada les plus connus, on compte Marcel Duchamp et Francis Picabia.

L’art moderne vit également naître le concept de « happening », qui consiste à transformer un événement ou une situation en une œuvre artistique, notamment grâce à la participation active des spectateurs.

Enfin, la littérature a elle aussi vu émerger un certain nombre de courants artistiques, dont le plus connu est le surréalisme, qui prône la libération de l’inconscient dans l’écriture, à travers des techniques inédites comme l’écriture automatique.

8. L’Art contemporain

Dès la fin de la Seconde Guerre Mondiale, l’art contemporain succédait à l’art moderne. Bien que les œuvres créées entre 1945 et les années 1960 soient rétrospectivement considérées comme de l’art contemporain, on estime que c’est le mouvement Pop art, né en Grande-Bretagne au milieu de la décennie, qui fut à l’origine de l’art contemporain. L’émergence de l’art contemporain est marquée par de nombreux bouleversements en Europe comme aux Etats-Unis : l’essor de la société de consommation, l’apparition d’une nouvelle classe sociétale dite « classe moyenne » mais aussi les avancées incroyables dans les domaines de la photographie, du cinéma et des nouvelles technologies, qui conduiront à l’invention des arts numériques.

L’art contemporain a pour but de dépasser l’art moderne dans son rejet des conventions et des règles traditionnelles de l’art.

Le Pop art est sans doute le courant artistique qui symbolise le mieux l’art contemporain. Le Pop art s’inspire largement de la société de consommation et utilise des images auxquelles on est confrontées au quotidien (publicités, logos industriels, bande-dessinées etc.) pour en faire des œuvres d’art à visée esthétique. Les artistes les plus connus de Pop art sont Andy Warhol et Roy Lichtenstein.

Influencé par l’expressionnisme abstrait et souvent confondu avec le Pop art, le courant « Op art » aussi appelé art optique, consiste à créer des œuvres d’art (peintures ou sculptures) qui sont de véritables illusions d’optique. Victor Vasarely est certainement l’artiste qui a le plus contribué au développement de ce mouvement artistique.

En art, en musique et en architecture, le minimalisme répond au Pop art par une tendance au « less is more » : les œuvres, majoritairement abstraites, sont très épurées.

En rupture avec l’art moderne, l’art conceptuel prend son influence dans le « ready-made » de Marcel Duchamp et cherche à créer une œuvre d’art non pas parce qu’elle est esthétique, mais parce que son concept ou son idée est une démarche artistique. L’art conceptuel est né en 1967 des réflexions des artistes à propos du sens de l’art : il a influencé chacun des courants majeurs de l’art contemporain.

L’époque contemporaine s’étend jusqu’à nos jours. Depuis son commencement avec le Pop art, elle a vu émerger un nombre incroyable de nouvelles disciplines artistiques, que l’on produit sur des supports inédits : le street art, l’art vidéo, l’art informatique, le body-art, le Land Art…

IV – Quelques exemples d’œuvres qui ont marqué l’histoire

1. Le plafond et la fresque de la Chapelle Sixtine, Michel-Ange

Cette œuvre est l’une des peintures les plus impressionnantes jamais réalisées au monde. Commandée par le Pape Jules II au début du XVIème siècle, elle s’étend sur environ 1 km² et compte pas moins de 343 personnages. Il n’a fallu à l’artiste que quatre ans pour peindre le plafond et cinq ans pour peindre la fresque du Jugement dernier.

2. Impression, soleil levant, Claude Monet

Très mal accueillie par les critiques de l’époque, cette œuvre est pourtant devenue, dès la seconde moitié du XIXème siècle, le symbole du mouvement impressionniste. Avec cette toile, Claude Monet a inventé une nouvelle manière de peindre qui a par la suite été reprise par beaucoup d’autres artistes, d’Edouard Manet à Auguste Renoir, en passant par Paul Cézanne et Edgar Degas.

3. Les Demoiselles d’Avignon, Pablo Picasso

Avec cette peinture, Pablo Picasso a lui aussi initié un nouveau mouvement artistique, le cubisme. Cette manière de peindre avec des formes géométriques représentait une telle rupture avec les règles de la peinture classique qu’elle a été très décriée à la parution des Demoiselles d’Avignon. Et pourtant, le cubisme est par la suite devenu l’un des principaux courants artistiques du XXème siècle

4. Fontaine, Marcel Duchamp

En 1917, Marcel Duchamp a présenté une œuvre qui deviendra la plus controversée dans l’histoire de l’art moderne. Cette œuvre d’art était en réalité un urinoir fabriqué de manière industrielle, que l’artiste s’est contenté d’acheter, d’appeler « Fontaine » et de signer de son nom. Avec ce geste audacieux, il a inventé l’art conceptuel et le principe du « ready-made » en art.

5. Diptyque Marilyn, Andy Warhol

Pour créer cette œuvre d’art, Andy Warhol photographia Marylin Monroe puis utilisa la technique de la démultiplication sérigraphique afin de décliner le portrait dans différentes couleurs. En juxtaposant tous ces portraits les uns à côtés des autres, il créa une œuvre unique au monde et initia le mouvement du pop art.

6. Spiral Jetty, Robert Smithson

Cette œuvre présentée en 1970 est à l’origine du land art, mouvement artistique consistant à utiliser la nature comme matière première et comme toile. A l’aide de boue, de sel, de basalte, de bois et d’eau, le sculpteur américain Robert Smithson a construit une jetée éphémère prenant la forme d’une spirale sur les bords du Grand Lac Salé aux Etats-Unis. Cette œuvre était l’une des premières à s’exposer en dehors du cadre d’une galerie d’art.

V – L’art aujourd’hui

Aujourd’hui, l’art est omniprésent : il a une visée esthétique mais aussi historique, patrimoniale, commerciale et même thérapeutique !

Les amateurs d’art peuvent contempler des œuvres de toutes les époques dans les musées, qu’ils aient été façonnés par la nature (les grottes abritant des peintures rupestres) ou bâtis par l’Homme (musées d’art moderne, musées d’art contemporain, etc.). Ces œuvres sont conservées par des professionnels afin de ralentir au maximum leur détérioration par le passage du temps, grâce à divers traitements préventifs et curatifs. Si besoin, les œuvres d’art peuvent également être restaurées pour retrouver une apparence la plus proche possible de l’œuvre originale, tout en respectant les normes contemporaines en matière de contraste et de luminosité (dans le cas des arts plastiques) et de sécurité (dans le cas de l’architecture).

Chaque pays possède ses propres collections publiques d’art, dans lesquelles sont répertoriées toutes les œuvres qui appartiennent officiellement à l’Etat. En France, le Fonds d’art contemporain – Paris Collection compte près de 23 000 œuvres d’art dont plus de 15 000 œuvres d’art moderne et plus de 3 000 œuvres d’art contemporain. Depuis 1982, il existe également des Fonds Régionaux d’Art Contemporains (FRAC) qui ont été créés dans le but de rendre l’art contemporain présent également en province. Présents dans chaque région administrative française, les FRAC comptent plus de 30 000 œuvres d’art de plus de 5 700 artistes aussi bien français qu’internationaux.

A l’échelle mondiale, l’art est l’objet de nombreuses transactions entre artistes, marchands, galeries d’art, musées, courtiers d’art, collectionneurs professionnels et collectionneurs amateurs. Selon le « Global Art Market Report », le marché de l’art mondial génère 64,1 milliards de dollars en 2019. Un marché qui existe depuis la Renaissance et il n’a cessé d’évoluer depuis. Aujourd’hui, il fait l’objet d’une règlementation stricte, par pays et au niveau international. Nées au XVIIIème siècle, les plus grandes maisons de ventes aux enchères existent toujours aujourd’hui et elles permettent même d’acheter de l’art en ligne comme artlovo. La vente d’œuvres d’art attire aussi bien les investisseurs que les collectionneurs et les amateurs.

Enfin, on prête depuis toujours des vertus thérapeutiques à l’art. Dès l’Antiquité, on estimait que le théâtre mais aussi d’autres formes d’art permettaient de se purifier l’esprit. Aujourd’hui, il existe une discipline reconnue officiellement par les professionnels de la santé, qui permet de guérir grâce à l’art : c’est l’art-thérapie. Cette discipline consiste pour le patient à explorer son propre inconscient à travers la création d’une œuvre d’art (peinture, sculpture, collage…), afin d’y puiser toutes ses pensées négatives et les sublimer à travers l’art.

Et vous, quelle est votre définition de l’art ?